Plongez dans l'univers du sakuramochi, un wagashi (pâtisserie traditionnelle japonaise) qui incarne la quintessence du printemps.

Au Japon, on en retrouve deux versions : celle de Tokyo (ou Est du Japon), avec sa crêpe rosée et sa garniture anko, et celle de Kansai (Ouest du Japon), un mochi de riz gluant au cœur d’anko. Chaque variante marie la douceur de l’anko à la délicate saveur salée de la feuille de cerisier.

Dans cette recette, nous vous proposons de découvrir la version tokyoïte, qui allie élégance et raffinement gustatif, célébrant le renouveau et la beauté éphémère de la saison des cerisiers. Bon appétit !

Ingrédients

• 50 g de farine
• 25 g de farine de riz gluant mochiko
• 12 g de sucre
• Colorant alimentaire rouge
• 120 ml d'eau
• 8 feuilles de sakura
• 200 g de pâte de haricot anko express

Préparation

1. Placer les feuilles de sakura dans un bol d'eau pour les dessaler.

2. Dans un bol, mélanger à l'aide d'un fouet la farine, la farine de riz gluant mochiko et le sucre. Ajouter ensuite l'eau en trois fois, pour éviter les grumeaux. Puis ajouter un peu de colorant alimentaire pour colorer la pâte en rose. Remuer le tout pour avoir une pâte homogène et réserver. 

3. Diviser l'anko en huit portions égales et les rouler en forme de boule.  

4. Dans une poêle, mettre un peu d'huile et former de petits ovales avec la pâte. Cuire à feu doux. Lorsque la surface devient translucide, retourner délicatement l'ovale de pâte. Une fois cuits, retirer de la poêle et déposer les crêpes sur une assiette.

5.  Retirez les feuilles de sakura du bol d'eau et enlever l'excédent d'eau à l'aide d'un essuie-tout.

6.  Envelopper chaque boule d'anko avec un ovale de pâte et enrouler dans une feuille de sakura.

C'est prêt, bon appétit ☺

https://www.umamiparis.com/fr/content/281-sakura-mochi?mc_cid=32dc16e877&mc_eid=0d22e0c9cd

Au Japon, le terme désignant la grenouille, "kaeru", signifie également "revenir". De ce fait, la grenouille est considérée comme un porte-bonheur, symbolisant le retour des bonnes choses.

Matsumoto Hoji (松本奉時)

Peintre, dessinateur, graveur japonais

Peintre et graveur d'Osaka.

Bien que l'on sache peu de choses sur le graveur Matsumoto Hoji, sa série de gravures sur bois en forme de grenouille reste remarquablement populaire à ce jour. Actifs à la fin du XVIIIe siècle, ses œuvres étaient à l'origine incluses dans le «Meika Gafu», un recueil d'œuvres d'art célèbres et populaires produites à la fin de la période Edo, au tournant du XIXe siècle.

Tout comme les cartes à collectionner aujourd'hui, les gravures sur bois étaient partagées, reproduites et convoitées entre amis, et des collections comme «Meika Gafu» rassemblaient les œuvres les plus renommées et les plus célèbres dans un seul livre. L'original était si populaire qu'ils en ont réalisé deux autres volumes, dont le dernier contient la désormais célèbre série de grenouilles de Matsumoto Hoji.

Matsumoto Hoji

While not much is known about the printmaker Matsumoto Hoji, his series of frog woodblocks remain remarkably popular to this day.

https://animato.uk

Alexeï Anatolievitch Navalny

4 juin 1976 - 16 février 2024

Assassiné à  47 ans par Poutine, après maintes tentatives pour le même but. 

" When Peace Dies, Embrace it, It will Live again "

Malak Mattar, née en 2000, à Gaza, est une peintre palestinienne. Elle vit et étudie en Turquie.

Une terrible évidence

Benyamin Netanyahou a ordonné la semaine dernière à son armée de préparer une offensive sur Rafah, à la frontière avec l’Égypte, où se masse actuellement 1,4 million de Palestiniens, soit plus de la moitié de la population de Gaza. Le premier ministre du régime génocidaire de Tel Aviv prémédite un nouveau massacre au vu et au su de l’opinion publique internationale.

En dépit des mises en gardes et des appels au cessez-le-feu enfin exprimés par ses alliés occidentaux, l’offensive israélienne sur la ville de Rafah a commencé depuis plusieurs jours par d’intenses bombardements qui font des centaines de victimes quotidiennes.

Il faut que cesse le génocide ! Que soit imposé un cessez-le-feu immédiat et permanent ainsi que la levée du blocus de Gaza. C’est ce que va exiger le Collectif National pour une Paix Juste et Durable entre Palestiniens et Israéliens dont l’AFPS est membre à l’occasion d’un nouveau rassemblement parisien le mercredi 14 février de 17h30 devant le Ministère des affaires étrangères et européennes (métro Invalides).

L’AFPS appelle tous ses adhérent-es et ami-es, mais aussi tou-tes les citoyen-nes qui ne supportent plus d’être témoins de ce génocide, à se joindre massivement à ce rassemblement et à prendre toute leur place dans la réussite de cette initiative.

 

Rassemblement "nous exigeons des actes" le 14 février devant le Ministère des affaires étrangères et européennes

Benyamin Netanyahou a ordonné la semaine dernière à son armée de préparer une offensive sur Rafah, à la frontière avec l'Égypte, où se masse (...)

https://www.france-palestine.org

L’AFPS, qui sommes nous ?

L’Association France Palestine Solidarité (AFPS) rassemble des personnes attachées au droit des peuples à disposer d’eux-mêmes et à la défense des droits humains. Elle a pour vocation le soutien au peuple palestinien notamment dans sa lutte pour la réalisation de ses droits nationaux. Elle regroupe près de 5000 adhérents, organisés en une centaine de groupes locaux en France.

Une autre de mes passions s'appelle le SHIN-HANGA ! 

Je vais y venir dans mes prochains posts mais je commencerai aujourd'hui par vous faire connaitre Helen Hyde, graveuse et peintre. Elle est surtout connue pour ses gravures sur bois mettant en scène des femmes et des enfants japonais. 

Elle est également connue pour ses eaux-fortes en tant que peintre mais ce sont ses gravures sur bois qui m'ont enchantée  par leur fraîcheur, leurs couleurs, et leurs scènes de vie attendrissantes. Je l'ai découverte il y a plusieurs années et je suis toujours sous le charme.

Feeding the bunnies ( 1912 )

Baby Talk ( 1908 )

The Chase ( 1903 )

Wind and Rain ( 1908 )

A windy ride ( 1913 )

Miss Apricot Cloud ( 1908 )

A weary little mother ( 1914 )

The return ( 1907 )

A suivre ...

Portrait d'Helen Hyde (fin 1890)

Helen Hyde - Wikipédia

Rare et très beau modèle d’un lièvre en ivoire (usagi en japonais), représenté couché le long d’une branche d’arbre finement sculpté d’écorces et de fentes. La tête ainsi que le pelage de l’animal sont merveilleusement rendus, de façon naturaliste. Les yeux sont incrustés de corne brune. Les himotoshi naturels passent sous l’animal et dans le creux de la branche. Ravissante patine de couleur miel sous la base. Model exceptionnel de l’école d’Osaka.

Longueur : 5,6 cm. Japon Edo (1603-1868) XVIIIe siècle.

Numéro de certificat Intra Communautaire : AT-23-B0355.

Netsuke - Rare modèle d'un lièvre couché, Japon Edo

Antiquités et Objets d'art: Arts d'Asie d'époque XVIIIe siècle mis en vente par Reflets des Arts - Réf: 109374 - Netsuke - Rare et très beau modèle d'un ...

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Saint-Denis met à terre les outrages sexistes aux abords du chantier de fouilles archéologiques

La mairie a installé, sur les grilles du site, place Jean-Jaurès, une affiche appelant au respect des femmes archéologues, qui ont été harcelées par des passants.

« Adoptez le bon comportement. » Depuis quelques semaines, une affiche est accrochée sur les grilles entourant le chantier de fouilles menées par l’Institut national de recherches archéologiques préventives (Inrap) et l’unité archéologie de la ville de Saint-Denis (Seine-Saint-Denis), en plein centre-ville. Chantier qui est le prélude aux travaux d’aménagement de la place Jean-Jaurès.

« Dénonciation et poursuites » prévues

Sur l’affiche représentant une femme, un genou à terre, une truelle à la main, cet appel : « Nous vous demandons de respecter le travail des femmes archéologues, qui travaillent chaque jour sur ce chantier de fouille. » Et cette mise en garde : « Nous vous rappelons que tout manque de respect à leur égard fera l’objet d’une dénonciation et de poursuites, comme le prévoit la loi. » Plus bas, la précision suivante : « Depuis août 2018, l’outrage sexiste est une infraction pénale. La loi a été renforcée en avril 2023. » Le fait aggravé n’est en effet plus considéré comme une contravention, mais comme un délit.

Que s’est-il passé pour qu’un tel message de prévention et d’avertissement soit affiché au vu et au su de tous ? Contacté, l’Inrap, dont un archéologue est responsable d’opération sur le chantier, rappelle tout d’abord que les chantiers de fouilles archéologiques sont le théâtre d’accrochages réguliers avec le public : « Il arrive que des riverains interpellent les archéologues, criant au blasphème parce que des squelettes sont étudiés ou protestant parce que le chantier impose des déviations, ce qui gêne la circulation. »

Dans le cas présent, toutefois, les choses sont allées plus loin, est-il consenti prudemment : « Des archéologues femmes ont été embêtées. » 

Claude Héron, directeur de l’unité archéologie de Saint-Denis, tranche : certaines d’entre elles ont été « victimes de faits de harcèlement à caractère sexiste ». Il enchaîne, le ton ferme : « La police a été prévenue, des patrouilles ont été diligentées, et un rappel à la loi urbi et orbi a été fait. » À ce jour, d’après nos informations, aucune plainte n’a été déposée, et les « choses se sont calmées« , assure Claude Héron. 

L’émoi n’en demeure pas moins grand. « C’est dingue qu’aucun endroit ne soit épargné par les agressions faites aux femmes », s’exclame Oriane Filhol, chargée des droits de ces dernières et de la solidarité à la mairie. Les archéologues du chantier de la place Jean-Jaurès ont été « victimes de deux types d’attaque, détaille-t-elle alors. Les premières liées à leur corps, parce que, tout bêtement, depuis qu’il fait chaud, elles portent des débardeurs; les secondes, parce qu’elles exerceraient un métier d’homme, et que leur place serait à la maison. » 

Des propos qui « ne sont pas inhabituels », abonde Laura Mary, du collectif Paye ta Truelle, qui lutte pour l’égalité et la diversité dans le monde de l’archéologie francophone. « Je ne suis, malheureusement, pas étonnée, souffle la jeune femme, qui prend le temps de nous répondre alors qu’elle s’affaire sur un chantier en Belgique. Dans notre milieu, le physique et les compétences des femmes sont très souvent remis en question. De la part de personnes extérieures au chantier, mais aussi de la part de collègues hommes. »

Ce qui n’est pas le cas à Saint-Denis, faut-il le rappeler. Néanmoins, reprend Oriane Fihlol, ce qu’il s’est passé sur place a été d’une « grande violence » :

"Imaginez, vous êtes sur votre lieu de travail, ou sur votre lieu d'étude, puisque, sur le chantier, nous avons des étudiantes, et vous vous faites agresser. C'est terrible comme expérience de début de carrière, et quel exemple cela donne-t-il aux petites qui passent devant le chantier ? Auront-elles envie de se projeter dans ce métier ?"

Oriane Fihlol  - Chargée des droits des femmes et de la solidarité à Saint-Denis

Le 8 mars 2023, Journée internationale du droit des femmes, à la question « qu’auriez-vous envie de dire aux femmes qui aimeraient exercer des postes à responsabilité comme le vôtre ? », Vanessa Letellier, ingénieure sécurité prévention à l’Inrap, répondait ceci : 

"Foncez ! Tous les postes sont accessibles aux femmes (...) Généralement, les femmes ont tendance à prendre moins de risques à cause de stéréotypes inculqués dès notre plus jeune âge. Il est primordial que les femmes se sentent libres d’oser et de candidater aux mêmes types de postes que les hommes, car la compétence n’est pas genrée ! Dans mon travail (...), je privilégie la candidate afin de contribuer moi aussi à féminiser notre métier et de tendre à une certaine parité au sein du réseau de prévention."

Vanessa Letellier - Ingénieure sécurité et prévention à l'Inrap

Un avertissement aux auteurs, et aux témoins

À la mairie, on admet que la question de bâcher totalement le chantier afin de protéger les femmes qui y travaillent s’est posée. Mais qu’elle a rapidement été écartée. « En laissant visibles les fouilles, nous permettons aux habitants de voir les richesses dont regorge notre territoire et de leur faire comprendre pourquoi le chantier est engagé », déclare Oriane Fihlol.

En laissant visibles les affiches, Saint-Denis permet aussi aux agresseurs de comprendre qu’ils ne peuvent agir en toute impunité, et aux témoins des faits qu’ils ont un rôle à jouer.

Saint-Denis met à terre les outrages sexistes aux abords du chantier de fouilles archéologiques

La mairie a installé, sur les grilles du site, place Jean-Jaurès, une affiche appelant au respect des femmes archéologues, qui ont été harcelées par des passants.

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IMAGES. Journées européennes de l'archéologie : sous le sol de Saint-Denis, un riche passé médiéval

Vendredi 9 juin 2023, l'Inrap ouvrait les portes de son chantier de fouilles sur la place Jean-Jaurès, en passe d'être réaménagée.

https://actu.fr

Après La Vallée des loups en 2016 et Marche avec les loups en 2019, le réalisateur Jean-Michel Bertrand nous parle du loup d’une manière totalement nouvelle et inattendue en donnant cette fois la parole aux personnes du terrain, en contact avec le loup : les éleveurs, les bergers, les chasseurs. Il y aura bientôt des loups un peu partout en France. Il faut donc apprendre à « vivre avec les loups ».

Dépassant les postures polémiques, l’auteur nous amène de manière sensible et cinématographique à percevoir différemment la nature qui nous entoure et les animaux qui l’habitent.

Un voyage de Jean-Michel Bertrand avec de surprenantes rencontres, humaines et animales. Avec son style inimitable, le réalisateur nous entraine dans des réflexions naturalistes et philosophiques sur la nature.

Parce qu’il est effectivement urgent de changer notre regard sur la faune sauvage et de réaliser ce que la biodiversité apporte à l’équilibre des écosystèmes naturels, la LPO est également partenaire de ce 3e opus de cette trilogie consacrée à la coexistence avec le grand prédateur. Redonnons de la place aux autres espèces en assumant politiquement la légitimité de leur présence à nos côtés !

Un film produit par MC4et distribué par Gebeka Films.

" Vous devez être le changement que vous souhaitez voir dans le monde."

Mahatma Gandhi

Et je rajouterai toute l'empathie, toute la compréhension, toute l'aide qu'il m'est possible d'offrir aux personnes dans le besoin, souffrantes, esseulées, malheureuses.

J'aimerais pouvoir me décupler partout pour tendre la main, offrir un sourire, donner un peu de chaleur dans cette société déshumanisée.

Il reste heureusement de belles personnes que nous ne côtoyons pas forcément mais il y en a beaucoup.

L'Espoir et l'Amour, il n'y a que cela de vrai.

Excellente année 2024 

新年あけましておめでとうございます

Une forme d'hommage aussi pour ma Mioko, maintenant disparue et tellement inoubliable. Un gros et énorme chagrin de ne plus être à ses côtés. Pendant longtemps, j'ai été incapable de regarder le film HATCHI ... Et encore maintenant, j'évite ...

Elle était d'une telle beauté, avec un caractère bien trempé à ne pas laisser sans dressage, mais son attachement, son amour, sa fidélité étaient touchants, rassurants et irremplaçables. Un vrai caractère japonais du bout des pattes au bout des oreilles, elle ne montrait rien mais elle était tout simplement là ♥ Elle s'est envolée au paradis des chiens à l'âge vénérable de 13 ans et demi, les Akita Inu vivant en moyenne 12 ans.

Quand on arrive dans le quartier très branché de Shibuya à Tokyo, impossible de manquer la fameuse statue en bronze d’Hachiko, le chien le plus célèbre du Japon. Les touristes attendent leur tour avec impatience pour se prendre en photo à côté de l’Akita Inu. Les Japonais en ont fait leur point de rendez-vous préféré pour retrouver leurs amis à la sortie du métro. Hollywood s’en est inspiré pour réaliser le film à succès Hatchi.

Pourquoi la statue d’Hachiko est-elle devenue une attraction touristique ? En quoi ce chien est-il un symbole vénéré par les Japonais ? Découvrez la véritable histoire d’Hachiko, qui a attendu le retour de son maître sans relâche pendant presque dix ans.

L’histoire d’Hachiko, le chien fidèle

Le nom Hachiko ハチ公 a deux significations en japonais : il désigne à la fois le huitième chiot de la portée (hachi = huit, ko = suffixe utilisé pour les enfants), mais peut aussi vouloir dire « huitième prince ».

Ce chien de race Akita Inu a été recueilli en 1924 par Hidesaburo Ueno, professeur de l’Université de Tokyo qui enseignait au sein de la section Agriculture. Né dans une ferme de la préfecture d’Akita, Hachiko découvre une toute nouvelle vie à Tokyo. Chaque jour, il profite de l’effervescence matinale du quartier de Shibuya en accompagnant son maître jusqu’à la gare. Une manière très touchante de souhaiter bon courage à l’enseignant pour sa journée de travail !

Tous les soirs, Hachiko effectue seul le même trajet jusqu’à la station de Shibuya pour accueillir son maître adoré. Ils étaient inséparables. Le spectacle de cet aimable et loyal Akita ramenant le professeur à son domicile n’est pas passé inaperçu dans le quartier.

Malheureusement, le soir du 25 mai 1925, Hachiko aura beau chercher, il ne trouvera pas son maître à la gare de Shibuya. Ce jour-là, l’enseignant décède d’une hémorragie cérébrale en pleine conférence à l’université.

Cette triste nouvelle est inacceptable pour Hachiko. Après le drame, il est adopté dans un nouveau foyer. Cependant, dès que l’occasion se présente, il se précipite chez son maître. Mais le professeur a disparu, son odeur n’est plus là, Hachiko ne comprend pas. À partir de là, il va reprendre son habitude et se rendre tous les jours à la gare de Shibuya, guettant les Japonais sortant du train, dans l’espoir de retrouver Hidesaburo Ueno dans la foule d’inconnus.

Après avoir attendu le professeur pendant presque dix ans, Hachiko s’éteint en 1935 à Shibuya et marquera l’esprit des Japonais à tout jamais.

Le chien le plus célèbre du Japon

Les passants et ceux qui empruntaient la gare de Shibuya étaient touchés par la loyauté d’Hachiko. Pour l’aider à survivre, on lui donnait un peu d’eau et de nourriture. On écrivait des articles sur lui dans les journaux, dont un dans le fameux quotidien japonais Asahi Shinbun en 1933 : « L’histoire émouvante d’un vieux chien : 7 ans qu’il attend son défunt maître ». Hachiko devient alors l’Akita Inu le plus célèbre dans tout le Japon et incarne depuis la loyauté sans faille.

On le surnomme Chuken, qui signifie « chien fidèle ». En 1934, un an avant son décès, une statue en bronze est même érigée en son honneur à la sortie de la gare. Il a donc assisté à l’inauguration de son propre monument !

Le premier anniversaire de sa mort, les Tokyoïtes lui ont rendu hommage en organisant une cérémonie dans les rues de Shibuya. Cérémonie qui se renouvelle chaque année en avril. Aujourd’hui encore, cette statue iconique continue d’attirer les touristes et d’inspirer les Japonais. 

Vous l’ignorez peut-être, mais la célèbre statue trônant fièrement face au carrefour de Shibuya n’est pas le seul hommage rendu à Hachiko :

• Hachiko-guchi : nom de la sortie de métro à Shibuya qui mène jusqu’à la statue.
• Musée national de la nature et des sciences à Tokyo : la fourrure d’Hachiko a été empaillée et est conservée dans ce musée.
  
• Musée Shirane : une photographie d’Hachiko portant son harnais était temporairement exposée. 
• Gare d’Odate, préfecture d’Akita : lieu de naissance d’Hachiko, où une statue a été construite en son hommage en 2004. On y trouve également le Sanctuaire Hachiko de la Japan Railways.
• • Université d’agriculture et de technologie de Tokyo : le maître d’Hachiko y travaillait. On peut y admirer une statue très touchante du chien jouant avec le professeur, inaugurée en 2015.
  • Cimetière d’Aoyama : les restes du chien reposent paisiblement auprès du corps de son maître.
  • Cimetière virtuel des animaux domestiques du Japon : Hachiko bénéficie de sa propre tombe virtuelle. Pour rappel, il n’est pas le seul animal à être vénéré par les Japonais. Découvrez les 20 animaux japonais dotés d’une forte symbolique.
  • Bus Hachiko : ligne de transports touristiques qui circule dans le quartier de Shibuya.
  • Hommages dans la pop culture : on peut trouver des clins d’œil à notre Akita préféré dans plusieurs œuvres. Dans des mangas (Nana, One Piece, GTO), bandes dessinées (Spirou à Tokyo), dessins animés (Futurama, Scooby-Doo), ou encore dans les jeux vidéo (The World Ends With You).

Hatchi, le film émouvant sur Hachiko

Le chien le plus célèbre du Japon n’a pas fait qu’apparaître quelques minutes dans un épisode de dessin animé. Deux films lui sont entièrement dédiés !

En 1987, son histoire est racontée dans le film Hachiko Monogatari et bouleverse tout le Japon. Mais l’œuvre culte qui a fait connaître son existence dans le monde entier est Hatchi, réalisé par Lasse Hallström et sorti en 2009.

Dès les premières minutes de ce remake hollywoodien, le chien Hatchi est présenté comme un héros. Le ton est donné et l’émotion commence déjà à gagner le spectateur.

Dans cette version, Hachiko est entouré de mystère. On ignore ses origines, il est transporté dans une cage en bois du Japon jusqu’aux États-Unis. Lors du trajet, la cage du chien tombe et le pauvre Hatchi se perd sur le quai d’une gare. Il est alors recueilli par Parker (Richard Gere), professeur de musique qui rentrait de l’université.

Le chien occupe une place très importante dans le film, car de nombreuses scènes sont tournées depuis son point de vue, en noir et blanc. On le voit grandir, apprendre à aller chercher la balle, s’attacher à son maître et finir par l’accompagner chaque jour à la gare. Hatchi est ainsi un personnage à part entière, ce qui permet de comprendre et de partager ses émotions. Mais, vous qui connaissez maintenant l’histoire vraie d’Hachiko, vous avez malheureusement une idée de la fin déchirante du film…

Certains amoureux des chiens ont peur de regarder le film, par peur de verser toutes les larmes de leur corps. L’engouement pour Hatchi est toujours présent, comme le prouvent toutes les réactions émues des spectateurs qui ont (re)découvert l’œuvre sur Netflix en 2022.

Quant à l’histoire vraie d’Hachiko, elle est encore aujourd’hui utilisée par les professeurs japonais pour expliquer la notion de loyauté à leurs élèves. Si vous passez à Shibuya, faites signe à cette célèbre statue de notre part !

L'histoire vraie d'Hachiko, le chien le plus célèbre du Japon

Quand on arrive dans le quartier très branché de Shibuya à Tokyo, impossible de manquer la fameuse statue en bronze d'Hachiko, le chien le plus célèbre du Japon. Les touristes attendent leur tour avec impatience pour se prendre en photo à côté de l'Akita Inu.

https://universdujapon.com

Il est vrai que je poste peu de lecture ici et pourtant je n'ai jamais cessé de lire, de lire à satiété. Ce livre de Mélissa Da Costa est l'un de ceux qui m'a beaucoup touchée. Je partage.

Réfugiée dans une maison isolée en Auvergne pour y vivre pleinement son chagrin, Amande ne pensait pas que l'on pouvait avoir si mal. Les jours se suivent et dehors le soleil brille, mais, recluse, elle refuse de le voir. Lorsqu’elle tombe par hasard sur les calendriers horticoles de l'ancienne propriétaire des lieux, elle décide pourtant, guidée par les annotations manuscrites de Madame Hugues, d’essayer de redonner vie au vieux jardin abandonné. Au fil des saisons, elle va puiser dans ce contact avec la terre la force de renaître et de s'ouvrir à des rencontres uniques. Jusqu’à ce que chaque lendemain redevienne, enfin, une promesse d'avenir.

Un roman subtil et plein d’émotion qui nous invite à ouvrir grand nos yeux, nos sens et notre cœur, et un formidable hymne à la nature qui nous réconcilie avec la vie.

Dans la culture nippone, chaque détail soigné comporte sa propre signification. Rien n’est laissé au hasard et même une coupe de cheveux peut avoir une origine ancestrale pleine de symboles.

Vous vous êtes déjà demandé pourquoi les samouraïs, les geishas et les sumos se peignaient ainsi ? Comment ces coiffures se sont-elles imposées comme marqueur de statut dans la société de l’époque ?

Découvrez à nos côtés l’histoire des coiffures japonaises, ainsi que les cérémonies et accessoires qui leur sont liés. 

Signification et symbolique des cheveux dans la culture japonaise

Les cheveux : symboles de vie et de mort

Izanagi. Source: deviantart.com @Ioruko

En japonais, « cheveux » et « dieu » se prononcent de la même manière : kami. Dans le recueil Kojiki : chronique des temps anciens, le classique de la mythologie nippone, la divinité Izanagi sort un peigne de ses cheveux et l’utilise pour produire de la lumière et s’enfuir des Enfers. Sa coiffe est ensuite transformée en grains de raisin afin de distraire la furie qui le pourchassait. Dans les plus vieilles légendes, les cheveux et leurs accessoires possèdent donc un pouvoir divin.

Si vous avez déjà regardé des films d’horreur japonais, vous aurez remarqué que les esprits ont souvent la même apparence : de longs cheveux décoiffés à l’aspect négligé. Lorsque les cheveux ne sont pas entretenus, ils symbolisent la peur, le mal. Par exemple, dans le film The Grudge, les interminables cheveux noirs sont un personnage à part entière. Quand ils apparaissent, le spectateur comprend qu’une scène horrifique est sur le point d’arriver. Les cheveux incarnent ainsi une présence inquiétante à eux seuls.

Si vous voulez en savoir plus sur ces êtres terrifiants, lisez notre article Yurei, des histoires de fantômes.

Les rites et cérémonies liés aux cheveux

Ashitaka. Source : celebrity.fm

Au Japon, se couper les cheveux est symbolique et s’inscrit dans un rite de passage. Au début du film d’animation Princesse Mononoké du studio Ghibli, Ashitaka a les cheveux longs. Mais, atteint d’une malédiction, il comprend qu’il est condamné et quitte son village à jamais. Pour marquer ce passage de la vie à la mort, le personnage se coupe les cheveux.

À l’époque Heian, les femmes se coupaient les mèches pour prouver qu’elles étaient fidèles à leurs époux. Cette pratique fit naître un véritable marché noir où l’on pouvait se procurer des cheveux afin de créer de toutes pièces la preuve de fidélité.

Durant la cérémonie Genpuku, le rite de passage vers l’âge adulte (aujourd’hui appelé Seijin Shiki), les garçons devaient se raser les cheveux à l’avant et au sommet du crâne afin de ressembler à un samouraï et ainsi, devenir un adulte.

Accessoires traditionnels pour se coiffer au Japon

Les accessoires sont tout aussi importants que les cheveux qu’ils embellissent. Les Japonaises accordent un grand intérêt au choix de leurs Kanzashi, de magnifiques épingles traditionnelles. En voici quelques exemples :

• Hana Kanzashi : colorées et portées par les apprenties geishas. Elles comportent des fleurs qui changent selon la saison ou l’événement auquel on assiste. Ces épingles sont revêtues avec un Kushi, un peigne en bois japonais. 
• Bon-ten : épingles arrondies. Ont une taille plus imposante et sont positionnées au-dessus de la tête. 
• Bira-bira : deux baguettes qui se rejoignent en une plaque ronde, ornée de petits anneaux qui tintent les uns contre les autres lorsqu’on se déplace ou que le vent souffle.
• Ogi-bira : l’épingle comporte de fins fils métalliques. Le tout ressemble à un bel éventail. On l’associe au style « princesse ».
• Kogai : composé de deux pièces, l’épée (kogai) et son fourreau, décorées à chaque extrémité. Souvent vendu avec un Kushi assorti.
• Hanagushi : Kushi orné de fleurs de soie. On peut y admirer la technique du Tsumami Kanzashi, qui consiste à assembler des carrés de tissus afin de représenter des fleurs.
• Hirauchi : deux épingles dotées d’une décoration ronde et plate, accrochées à l’arrière de la coiffure.
• Dôme de Kanoko : embelli de fleurs ou de pierres précieuses. Souvent porté par les apprenties geishas.
• Tachibana : Très fleuri, avec deux épingles d’argent.
• Chirimen Tegara : nœud triangulaire en tissu, place à l’arrière de la coiffure.

À l’époque, les hommes nobles bénéficiaient aussi de leurs propres accessoires capillaires comme le Kanmuri, une coiffe en soie recouverte de laque noire. Les peignes sont également très importants pour les Japonais. Par exemple, les sumos disposent de quatre styles de peignes en bois Sukigushi pour accomplir leur chignon traditionnel. Il est noué à l’aide d’une ficelle Motoyui et peaufiné avec une crème Bintsuke réalisée à partir de camomille et de cire. 

Coiffures traditionnelles japonaises – Geishas et samouraïs

Origines de la coupe des samouraïs : le chonmage

 Les samouraïs de la période Edo adoptaient une coiffure reconnaissable entre toutes : le chonmage. Le crâne est rasé sur le devant et le dessus. Les cheveux restant sur les côtés sont rassemblés en un chignon bourré de symboles.

Si vous êtes passionnés de pop culture, vous vous souvenez sûrement de la scène déchirante du Dernier Samouraï, où un samouraï se fait couper son fameux chignon contre sa volonté. Il est en larmes et tombe au sol, écrasé par un sentiment de déshonneur.

Si au départ le chonmage avait été pensé pour soulager les soldats en armure de la chaleur, stabiliser leur casque et éviter l’apparition des poux, il a fini par incarner l’âme des samouraïs. Ce chignon était le symbole de leur combativité, de leur dignité et de leur statut.

Lorsque le Japon s’est ouvert à l’Occident et à l’industrialisation, l’ordre des samouraïs fut aboli. Le gouvernement impérial a exigé que leurs longs cheveux soient coupés, pour s’adapter à la culture occidentale.

La plupart des hommes nobles portaient des cheveux longs, symboles de leur raffinement, rassemblés en un Man Bun. Aujourd’hui encore, le chonmage possède une connotation honorifique. En effet, la cérémonie Danpatsu-Shiki consiste à couper le chignon des sumos lorsqu’ils prennent leur retraite, car c’est un privilège réservé aux lutteurs.

Coiffures des femmes – les styles selon le statut social

Les cheveux des Japonaises n’étaient jamais coiffés au hasard. Ils reflétaient leur rang, leur âge et leur identité. Les geishas pouvaient porter différents types de chignons Shimada selon leur situation.

Le Shimada était arrangé ainsi : on attachait les cheveux en queue de cheval qu’on repliait en une boucle vers l’avant. Ensuite, on utilisait des Kanzashi pour fixer les cheveux et les embellir. La nuit, les geishas posaient leur tête sur un petit banc en bois, afin de ne pas abîmer leur coiffure. Leur chignon a évolué, passant du style Hyogo où les cheveux sont enroulés autour de la queue de cheval, au style Kogai Mage où les mèches sont cette fois-ci rassemblées en nœud de huit autour du chignon.

Le Tsubushi était assez plat et utilisé par les femmes plus âgées, et le Wareshinobu correspondait aux apprenties geisha. Les Maru Mage étaient réservés aux femmes mariées, et les jeunes Japonaises portaient des mèches sur leur front appelées Maegami. Avant la mode des chignons, on laissait ses cheveux longs lâchés à la façon Taregami.

Cette abondance de vocabulaire en elle-même reflète l’importance de la coiffure au Japon. On distingue par exemple les cheveux au-dessus du front Mae Gami, les cheveux dans le cou Tabo, les cheveux sur les côtés du visage Bin, et enfin le chignon Mage.

De nos jours, seuls les lutteurs de sumo et les acteurs de Kabuki portent le traditionnel chonmage. Les coiffures Man Bun reviennent à la mode pour les hommes, et les Hime Cut des femmes nobles de la période Heian sont aujourd’hui très tendance. Les cheveux sont plus courts au niveau des oreilles, ce qui forme deux charmantes franges sur les côtés. Certaines traditions sont indémodables !

Coiffures japonaises : origines et évolution

Dans la culture nippone, chaque détail soigné comporte sa propre signification. Rien n'est laissé au hasard et même une coupe de cheveux peut avoir une origine ancestrale pleine de symboles. Vous vous êtes déjà demandé pourquoi les samouraïs, les geishas et les sumos se peignaient ainsi ?

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Les mosaïques sont l'œuvre du père Cognet. Curé de 1903 à 1932, il a patiemment confectionné ces médaillons, tableaux, pilastres, bordures, rosaces. Ce patrimoine atypique et unique lui a valu d’être inscrit à l’inventaire des Monuments Historiques.
Il a travaillé avec des milliers de cailloux, débris de céramique, de tessons de verre et de vaisselle, de mâchefer.
Pour réaliser ces œuvres d'art naïf, le curé Cognet n'avait que peu de moyens; il utilisait surtout du ciment prompt et de la vieille ferraille sur des supports souvent en mauvais état, ce qui confère à ces mosaïques une grande fragilité. La municipalité et les Amis du Vieux Saint Jean veillent sur ce patrimoine et de nombreuses restaurations permettent de le conserver en l'état. C'est sur les murs de la sacristie adossée à l'église que l'on retrouve l'essentiel de son œuvre représentant les châteaux et les belles demeures de Saint Jean avec leurs armoiries. L'histoire locale nous dit que le Père Cognet faisait mettre la vaisselle cassée "de côté". Les enfants du catéchisme participaient aussi à l'œuvre en façonnant les bouts de mosaïque avec des tenailles, à partir de cette vaisselle cassée.
Après la première guerre mondiale, la commune ne possédait pas de monument aux morts. Le Père Cognet s'employa donc à en ériger un, presque face à l'entrée de l'église. Dans le même style, ce monument est composé de rocailles en mâchefer et de mosaïques. il porte les noms de morts de 14-18. C'est en 1920 que fût érigé le monument aux morts du cimetière.

( Photos personnelles )

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Le Rhône : à deux pas de Lyon, vivez des moments uniques dans le Rhône à partager en famille, entre amis.

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Les variétés soulful de Robert Cray : un maestro du blues moderne

Au panthéon des guitaristes de blues, le nom de Robert Cray tient une place à part. Avec une carrière qui s'étend sur plus de quatre décennies, Cray a non seulement entretenu la flamme du blues, mais lui a également insufflé une sensibilité moderne, combinant le blues traditionnel avec des éléments soul, rock et R&B. Son style vocal doux, ses paroles sincères et ses prouesses à la guitare lui ont valu une place indélébile dans le monde de la musique.

Un voyage à travers le blues

Le voyage de Robert Cray a commencé à Columbus, en Géorgie, en 1953. Sa famille déménageait fréquemment, mais c'est dans le nord-ouest du Pacifique qu'il formera son premier groupe. Ses premières influences allaient de la musique gospel qu'il entendait à l'église aux sons émouvants d'artistes comme Sam Cooke. Cependant, c'est le blues qui a vraiment capturé son esprit, la musique de Muddy Waters, Albert King et B.B. King guidant son développement artistique.

Robert Cray - Smoking Gun

Robert Cray continues to tour and produce new music. His contribution to the blues is undeniable: five Grammy Awards...

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J'avais raté cet album, c'est une honte ! Merci à la personne qui m'a rappelée à l'ordre !

It's over today, The heat is gone, Time is gone, F for fake, I feel no wrong, Hide no wrong, I love this place, The lights... Under this face, So dry... Only way to change Give yourself away, Don't be ashamed, Next in line ; close one eye, Just walk by, In these days, I'm breathing stone, crying stone, I'll win this race, I'll leave alone, arrive alone, Love this place, the lights...Under this face, so dry... Stripped to the bone, I did no wrong, Truth is my name, Give yourself away

Ces musiques me transcendent, c'est curieux. Elles sont gaies et me donnent la pêche ! 

(Et note à moi-même, j'aurais dû apprendre les claquettes, j'adore !)

Benny Goodman, Glenn Miller et autres de ces célèbres musiciens .

Paravent Japonais du 19e siècle - Chasse aux lucioles

Paravent à 2 panneaux représentant 3 jeunes dames et un enfant. Aquarelles sur papier, fond doré à la feuille d'or.

La jeune maman porte son enfant tandis qu'une de ses compagnes, agenouillée, emprisonne ce qui semble être des lucioles. C'était une activité trés appréciée au Japon et pratiquée les soirs d'été par les Bijin (beautés) d'Edo.

Le sujet charmant est inhabituel pour ce type de paravents qui sont toujours décorés de guerriers, d'animaux, de végétaux ou de paysages. Les montants sont en bois laqué rouge, et sont renforcés et décorés de plaques de cuivre doré et ciselé de rinceaux sur fond nanako, ces plaques sont épaisses et de la meilleure qualité de ciselure et de dorure.

Ce paravent n'a heureusement jamais été restauré, les divers accidents sont tous bien visibles et leur restauration ne présente aucune difficulté technique pour un travail parfait. Les dessins sont précis et d'une grande élégance ce qui annonce le pinceau d'un excellent artiste.

Les pieds, les mains, les visages le tronc de l'arbre et les feuilles tout est parfait. Nous n'avons pas recherché l'artiste mais on pourra le faire sur demande. Travail japonais de la période Edo, peut-être Meiji.

Un sujet très rare et ravissant.

Époque :

XIX^e siècle

Provenance :

Japon

Materiaux :

Bois Papier Alliage de cuivre Or Aquarelles

Dimensions :

l. 179 cm X H. 172 cm X P. 3 cm

Paravent Japonais du 19e siècle - Chasse aux lucioles

Antiquités et Objets d'art: Arts d'Asie d'époque XIXe siècle mis en vente par Conservatoire Sakura - Réf: 107738 - Paravent à 2 panneaux représentant 3 jeunes ...

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Combelaval

( photos personnelles )

Arley "Buster" Benton (19 juillet 1932 – 20 janvier 1996) était un guitariste et chanteur de blues américain. Il a joué de la guitare dans Blues All-Stars de Willie Dixon et est surtout connu pour son interprétation solo de la chanson de Dixon "Spider in My Stew". Benton était tenace et, malgré l'amputation de parties de ses deux jambes au cours de la dernière partie de sa longue carrière, il n'a jamais cessé de jouer sa propre version du blues de Chicago.

Il est né Arley Benton, à Texarkana, Arkansas.

Alors qu'il résidait à Toledo, Ohio, au milieu des années 1950, et après avoir été influencé par Sam Cooke et B.B. King, Benton a commencé à jouer du blues. En 1959, il dirigeait son propre groupe à Chicago. Au cours des années 1960, les labels locaux Melloway, Alteen, Sonic et Twinight ont sorti plusieurs singles de Benton. Cependant, faute d'opportunités au début des années 1960, il abandonne la pratique professionnelle pendant plusieurs années et travaille comme mécanicien automobile. Ses premiers travaux étaient un amalgame de blues et de soul. Selon le journaliste musical Bill Dahl, « à la fin des années 1970, lorsque la popularité de la musique blues était au plus bas, les enregistrements de Benton, en particulier pour Ronn Records, étaient une bouffée d'air frais ».

Benton a rejoint les Blues All-Stars de Willie Dixon en 1971 et a fait partie du groupe pendant un certain temps. Il a joué sur l'album de 1973 The All Star Blues World of Maestro Willie Dixon and His Chicago Blues Band, publié par Spivey Records.

Dixon a été crédité comme l'auteur-compositeur de la chanson la plus connue de Benton, "Spider in My Stew", publiée par Jewel Records, basé à Shreveport, en Louisiane. Cela a donné à Benton un minimum de renommée, et son suivi de 1974, "Money Is the Name of the Game", a contribué à consolider sa réputation. L'album de Benton de 1978 pour Ronn Records, filiale de Jewel (également intitulé Spider in My Stew) est devenu reconnu comme l'un des albums de blues de Chicago les plus engageants de son époque.

Benton a enregistré trois autres albums pour Ichiban Records, mais en comparaison avec son travail sur le label Ronn, ils n'ont pas connu de succès commercial. L'un de ces albums était Money's the Name of the Game, produit par Gary B.B. Coleman et sorti en 1989. Benton a également publié un disque sur le label Blue Phoenix. Son courage n'est pas passé inaperçu. Il souffrait de diabète et a été dialysé au cours des dernières années de sa vie. En 1993, une partie de sa jambe droite a été amputée en raison d'une mauvaise circulation due à la maladie ; il avait déjà perdu une partie de l'autre jambe une dizaine d'années auparavant. Il a persévéré, jouant son style de blues jusqu'à sa mort. Cependant, comme l'a écrit le journaliste musical Tony Russell, Benton "n'a jamais trouvé une autre araignée d'argent".

Benton est décédé en janvier 1996, à Chicago, des suites du diabète, à 63 ans.
Son travail a été inclus sur plusieurs albums de compilation, dont Chicago Blues Festival : 1969-1986 (2001).

Le blues de Chicago est une forme de musique blues qui s'est développée à Chicago, dans l'Illinois. Il est basé sur des idiomes de blues antérieurs, tels que le Delta blues, mais est interprété dans un style urbain. Il s’est développé parallèlement à la Grande Migration des Afro-Américains de la première moitié du XXe siècle. Les principales caractéristiques qui distinguent le blues de Chicago des traditions antérieures, comme le Delta blues, sont l'utilisation prédominante d'instruments électrifiés, en particulier la guitare électrique, et surtout l'utilisation d'effets électroniques tels que la distorsion et l'overdrive.

Muddy Waters, un collègue des musiciens de blues du Delta Son House et Robert Johnson, a émigré à Chicago en 1943, rejoignant le groupe bien établi Big Bill Broonzy, où ils ont développé un style distinctif de musique blues. Rejoint par des artistes tels que Willie Dixon, Howlin' Wolf et John Lee Hooker, le blues de Chicago a atteint un public international à la fin des années 1950 et au début des années 1960, influençant directement non seulement le développement des premiers musiciens de rock and roll tels que Chuck Berry et Bo Diddley. , mais aussi outre-Atlantique pour influencer à la fois le blues britannique et les premiers groupes de hard rock tels qu'Eric Clapton, les Rolling Stones et Led Zeppelin. Des maisons de disques de premier plan telles que Vee-Jay Records et Chess Records ont contribué à promouvoir et à diffuser le style. Le Chicago Blues Festival a lieu chaque année depuis 1984, jour anniversaire de la mort de Muddy Waters, comme moyen de préserver et de promouvoir le blues de Chicago.

Le blues de Chicago a été l’une des influences les plus importantes sur la musique rock des débuts. Chuck Berry a initialement signé avec Chess Records, l'un des plus importants labels de blues de Chicago. Berry a rencontré et a été influencé par Muddy Waters à Chicago et Waters lui a suggéré d'auditionner pour Chess. Willie Dixon et d'autres musiciens de blues ont joué sur certains des premiers disques de Berry. Au Royaume-Uni, au début des années 1960, des groupes de beat tels que les Rolling Stones, les Yardbirds et les Animals (surnommés l'invasion britannique aux États-Unis), ont été fortement influencés par les artistes de blues de Chicago. Les deux derniers ont servi de musiciens d'accompagnement pour Sonny Boy Williamson II et ont réalisé leurs premiers enregistrements avec lui lors de sa tournée en Angleterre en 1963 et 1964. Dans le même temps, des artistes américains, tels que le Paul Butterfield Blues Band (qui comprenait deux membres du groupe de Howlin' Wolf), John P. Hammond et Charlie Musselwhite se produisaient dans le style du blues de Chicago. Plus tard, Cream, Rory Gallagher et le Allman Brothers Band ont également poursuivi leurs propres interprétations des chansons de blues de Chicago et ont contribué à populariser le blues rock.

Chicago blues - Wikipedia

From Wikipedia, the free encyclopedia Chicago blues is a form of blues music that developed in Chicago, Illinois. It is based on earlier blues idioms, such as Delta blues, but is performed in an urban style. It developed alongside the Great Migration of African Americans of the first half of the twentieth century.

http://wikipedia.org

Tunnels pour l'enfer : le franc-parler de Caroline Fourest

Des éclairs orange dans une nuit sombre. Le ciel de Gaza saigne. Et pas que le ciel. Sans se fier aux mensonges du Hamas, il suffit d’avoir des oreilles et du cœur pour deviner l’ampleur de la tragédie qui se joue dans l’obscurité. Bientôt les images d’enfants gazaouis pris au piège remplaceront le souvenir des enfants israéliens retenus en otage ou carbonisés. Depuis le premier jour, certains nient leur supplice. À l’annonce du plus grave pogrom depuis la Shoah, les agressions antisémites ont explosé, aux États-Unis, en Allemagne et en France : plus de 719 incidents. Imaginez ce qu’il en sera dans trois mois, lorsque des kilomètres de photos d’enfants tués à Gaza, parfois pour de vrai, parfois imaginés par l’intelligence artificielle, auront balayé les derniers portraits d’otages arrachés. Le Hamas et l’antisémitisme auront gagné des milliers d’alliés.

Les pro-Palestiniens peuvent déjà entonner leur refrain préféré, celui du pot de terre contre le pot de fer, et même du Juif tueur d’enfants. En face, des pro-Israéliens n’ont plus assez de larmes pour pleurer les enfants palestiniens, en qui certains voient de futurs tueurs de Juifs. Enfermé dans son couloir informationnel et émotionnel, chacun est mûr pour ne plus s’écouter et se détester. Un climat électrique frappe déjà tous les pays reliés par ces couloirs de l’information, nous piégeant tous dans les tunnels de Gaza. Qu’il fait sombre.

Tapis dans le noir, un seul homme jouit. Beau costume, barbe blanche bien taillée, Ismaïl Haniyeh, chef du Hamas, reçoit beaucoup, quand il ne donne pas des interviews chics et chocs sur Al Jazeera. Depuis sa villa climatisée, à l’abri, il a pris sa plus belle pause victimaire pour crier au « nouvel ­holocauste », avant de promettre à Israël de verser tout le sang palestinien… qu’il a sur les mains. Cet engrenage, il l’a voulu. Et Israël, qui sait que les islamistes ne comprennent que la force, a foncé. Pourtant, cette riposte sans objectif ­réaliste ne peut que s’embourber. Comment détruire ces tunnels, ces stocks de roquettes, sans tuer d’innocents, peut-être même des otages, sans tomber dans les traquenards que mijote le Hamas ? Contrairement à la ­coalition contre Daech, même si Tsahal ­parvenait à ratisser tout le nord de Gaza, les chefs et leurs porte-monnaie resteront au chaud, intacts et renforcés. Le Hamas ne sera pas éradiqué. Mais mille tueurs, mille roquettes, pourraient renaître de ces cendres.

La seule vraie lueur d’espoir est ailleurs, loin, très loin, au bout du tunnel. Dans le fait que les Israéliens ne font plus confiance à Nétanyahou. Une fois la loi du talion épuisée, ceux-là pourront demander des comptes aux faucons ­nationalistes, imbéciles dangereux, ayant couvé le Hamas tout en dégarnissant la défense du territoire israélien au profit des colonies. Ce jour-là, il faudra alors trouver un Mandela palestinien, s’il en existe, pour se parler. 

Franc-Tireur - Journal hebdomadaire

Franc-Tireur, hebdomadaire au service de la raison, avec passion, animé par Christophe Barbier, Caroline Fourest et Raphaël Enthoven. La réponse...

https://www.franc-tireur.fr

Sous un ciel d'automne les âmes en douceur s'étendent,
La Toussaint déroule son tapis de mémoire,
Un souffle d'automne, un murmure à entendre,
Où s'entremêlent les fils d'or et de l'histoire.

Les feuilles, comme des souvenirs, s’éparpillent,
Dansant sur les tombes, hommage de la nature,
Chaque pétale, chaque brin, une âme qui scintille,
Dans cette danse, la vie et la mort se murmurent.

Les chrysanthèmes, étoiles des cimetières,
Éclairent les pas de ceux qui viennent en prière,
Un ruban d'amour, entre ciel et terre tissé,
Pour ceux qui furent, et dans nos cœurs, jamais effacés.

Dans le silence, s’élèvent les douces pensées,
Pour les êtres aimés, à jamais emportés,
La Toussaint, ce pont entre les mondes, bâti,
Où l'amour, même face à la mort, reste infini.

Ce jour sacré, telle une veilleuse qui brille,
Rappelle que l’amour, même face au temps, ne vacille,
Dans chaque souffle d'automne, dans chaque lueur,
Réside un souvenir, une âme, un cœur.

♥

Chagrin pour tous ces morts de part et d'autre.

Hommage à Dominique Bernard pour son courage et pour ce qu'il était.

J'aime ce trio d'Emmet Cohen depuis un bon moment et Cyrielle Aimée que j'ai découverte il y a quelques années en est une habituée. Je la suis souvent. Plus les autres invités de talent. Un vrai bonheur.

Rien de tel pour vous faire oublier une dure journée.

J'aimerais tellement un Autre Monde ...

Metallica ou Blondie en inuit, par Elisapie, voix d’un peuple.

Dans son nouvel album, « Inuktitut », la chanteuse inuite Elisapie, originaire de Salluit, petit village du Nunavik, région la plus au nord du Québec, rend hommage aux classiques pop-rock qui ont bercé son enfance.

En reprenant en langue inuite des titres de Pink Floyd, Queen, Metallica ou Blondie, la chanteuse Elisapie éclaire les tourments et espoirs des peuples autochtones du nord du Québec. « C’est drôle, c’est un album de reprises mais c’est mon album le plus personnel », livre la musicienne, rencontrée à Paris par l’AFP. « Metallica, c’était comme nos grands frères. Ils nous protégeaient le temps d’une chanson, nous disaient : “ce n’est pas grave si tu es triste, si t’as envie de crier”. Mais on était muets, on ne savait pas pourquoi il y avait tant de suicides de nos cousins », déroule la chanteuse, élevée à Salluit, petit village du Nunavik, région la plus au nord du Québec.

« The unforgiven » de Metallica devient ainsi « Isumagijunnaitaungituq » dans l’album « Inuktitut » (langue inuite de l’Arctique) sorti mi-septembre, son quatrième disque solo. Et prend de nouveaux accents mélancoliques avec ses voix de gorge. « Toute la musique que j’écoutais quand j’étais jeune dans les années 1980 me rappelait des souvenirs chaleureux, dansants, mais a réveillé aussi tout ce qui se passait autour, les effets de la colonisation, la sédentarisation, les chiens arrachés à nos familles, les pensionnats. Tout ce qui faisait que mon peuple souffrait ».

Suicides

« Blondie (“Heart of glass” devient “Uummati Attanarsimata”) a partagé ma version sur leurs réseaux et Lars Ulrich, batteur et membre fondateur de Metallica, a aussi partagé mon titre », savoure-t-elle. De quoi donner plus d’écho à la voix de son peuple.

 

Metallica ou Blondie en inuit, par Elisapie, voix d'un peuple

Dans son nouvel album, " Inuktitut ", la chanteuse inuite Elisapie, originaire de Salluit, petit village du Nunavik, région la plus au nord du Québec, rend hommage aux classiques pop-rock qui ont bercé son enfance.

https://www.letelegramme.fr

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Elisapie - Official website / Site officiel

"Uummati Attanarsimat (Heart of Glass)" available on all platforms / disponible sur toutes les plateformes.

https://www.elisapie.com

Elisapie Isaac - Wikipédia

Elisapie Isaac en 2011. Elisapie Isaac (née en 1977 à Salluit, Nunavik, au Québec), plus connue artistiquement comme Elisapie ( syllabaire inuktitut : ᐃᓕᓴᐱ), est une auteure-compositrice-interprète et réalisatrice inuk du Québec. Née d'une mère inuk et d'un père terre-neuvien, Elisapie Isaac passe son enfance à Salluit, au Nunavik.

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Claudia Bouvette nous invite à fuir la ville sur Cowgirl Radio

Claudia Bouvette présente Cowgirl Radio, une ode à la liberté et à la nature.

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L’exploration urbaine, surnommée Urbex, s’est démocratisée avec Internet. On ne compte plus le nombre de vidéos de passionnés qui se filment en train d’examiner un lieu abandonné.

Le Japon est le terrain de jeu rêvé des explorateurs du monde entier. Une nouvelle forme de tourisme s’est développée, ou des curieux enfreignent la loi pour contempler des Haikyo : bâtiments déserts et isolés.

Pourquoi existe-t-il autant d’Haikyo au Japon et que cherchent ceux qui visitent ces ruines dénuées de vie humaine ?

Définition et symbolique du Haikyo

Haikyo signifie « ruines » en japonais et désigne les lieux abandonnés par leurs propriétaires, parfois du jour au lendemain : temples, villas de luxe, parcs d’attractions, écoles, hôpitaux ou même des villages de campagnes et des îles entières.

Les urbexers ont des règles bien précises : ne rien voler, ne pas dégrader. Ainsi, certains de ces lieux troublants et désaffectés ont conservé une atmosphère unique. Chaque explorateur a l’impression d’être le premier, le seul à s’aventurer dans les ruines. Il peut dès lors mener son enquête, revisiter l’histoire du Haikyo, imaginer la vie qui l’habitait avant que tout ne bascule. Un véritable voyage dans le temps, empreint de nostalgie.

Ces bâtiments abandonnés sont le symbole du temps qui passe, des espoirs, de l’ambition et des désillusions d’une époque, de la nature qui finit par reprendre ses droits. Grâce aux photographies des explorateurs, les Haikyo s’élèvent au rang d’œuvres d’art.

L’Urbex c’est aussi braver l’interdit, se mettre dans des situations parfois très dangereuses dans des lieux qui pourraient s’écrouler au moindre faux pas.

Pourquoi existe-t-il autant d’Haikyo au Japon ?

Entre 1960 et le premier choc pétrolier de 1973, le PIB du Japon augmente trois fois plus rapidement que celui des pays occidentaux. Il se hisse à la deuxième place en termes de puissance économique. Cette industrialisation précipitée provoque un exode rural massif. Les campagnes japonaises sont abandonnées au profit de la ville. En 1970, le tiers des habitants se concentre dans les trois pôles géants : Tokyo-Yokohama, Nagoya et Osaka-Kobe-Kyoto.

Le vieillissement de la population et son déclin accentuent ce phénomène. Privés de patients et d’élèves, les hôpitaux et les écoles n’ont pas d’autre choix que de fermer leurs portes.

Enfin, de nombreux projets ambitieux comme des hôtels de luxe ou des parcs d’attractions vont malheureusement faire faillite à cause de la crise économique des années 1990. La chute est parfois brutale, et les propriétaires abandonnent tout sur place.

Top 10 des lieux d’exploration urbaine japonais les plus impressionnants

1. Île Gunkanjima : abandonnée du jour au lendemain

En 1959, Gunkanjima abrite une mine de charbon et possède la plus forte densité de population du monde. Puis l’exploitation du charbon chute pour être remplacée par le pétrole. Tous les ouvriers abandonnent l’île, désormais inutile.

2. Marugen Building : le manoir déserté et ses trésors

Cet Haikyo trône sur un flanc de montagne et surplombe l’océan Pacifique. Il appartenait au milliardaire Genjiro Kawamoto et lui servait d’entrepôt pour ses œuvres d’art. Bien que surnommé « le roi de la construction de Ginza », il sera rattrapé par ses magouilles et condamné par la justice japonaise.

3. Parc d’attractions Canadian World

Parc à thème basé à Hokkaido. Il a fait faillite après la crise des années 1990. Les décors qui autrefois reproduisaient le Canada, tombent désormais en ruines.

4. Île Ikeshima

Elle a connu le même destin que Gunkanjima. Une compagnie minière avait envahi l’île en 1952 afin de développer la mine de charbon la plus moderne du pays.

5. Le Gluck Kingdom

Parc d’attractions célébrant l’univers des frères Grimm et reconstituant l’Allemagne médiévale. Abandonné en 2007.

6. Hachijo Royal Resort

Un hôtel sublime inspiré de l’architecture baroque française. Ses statues, fontaines et ornements luxueux n’ont pas échappé à la crise économique.

7. Le Western Village abandonné

Parc à thème grandiose construit pendant la période de haute croissance en 1973. On y trouve même une réplique du mont Rushmore…

8. Nagoro, le village des poupées

Aussi nommé Kakashi no Sato, ce lieu abandonné fait froid dans le dos. 270 poupées ont été réalisées et disséminées dans le village en mémoire de ses habitants.

9. Ashio Dozan, la mine de cuivre

Ville minière qui a malheureusement subi des dommages environnementaux considérables. Abandonnée en 1973.

10. Le village russe de Niigata

Village fantôme fermé depuis 2002. Les dômes de ses églises orthodoxes sont désormais rongés par le temps.

Les Haikyo sont le souvenir d’une époque pleine d’ambition et de décadence. Ces musées éphémères naturels représentent les conséquences de la société de consommation. Une expérience unique.

Haikyo ou lieux abandonnés - le phénomène expliqué

L'exploration urbaine, surnommée Urbex, s'est démocratisée avec Internet. On ne compte plus le nombre de vidéos de passionnés qui se filment en train d'examiner un lieu abandonné. Le Japon est le terrain de jeu rêvé des explorateurs du monde entier.

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Passionnant  et  Hors article :

L'Homme de Denisova est parfois qualifié, en tant qu'espèce, du nom binominal Homo denisovensis, mais son statut d'espèce à part entière ou de sous-espèce n'est pas encore fixé. Jean-Jacques Hublin estime qu'il aurait vécu durant le Paléolithique moyen en Asie orientale, de la Sibérie à l'Asie du Sud-Est. La présence de cette espèce en Extrême-Orient est à rechercher selon lui parmi des fossiles connus. Les analyses de l'ADN mitochondrial du fragment de phalange ont prouvé en 2010 que les Dénisoviens étaient génétiquement distincts des Néandertaliens et des Hommes modernes. L'analyse ultérieure du génome nucléaire a montré que les Dénisoviens partageaient un ancêtre commun avec les Néandertaliens, et qu'ils se sont hybridés avec les ancêtres de certains hommes modernes (3 à 5 % de l'ADN des Mélanésiens et des Aborigènes d'Australie est issu des Dénisoviens)^. De même, ils auraient transmis aux Tibétains un gène permettant leur adaptation à la vie en altitude.

Cela fait 5 ans depuis la découverte de Denny, un spécimen fossile vieux de 90 000 ans qui avait un père dénisovien et une mère néandertalienne. Cette découverte a prouvé que le métissage était assez courant parmi les premières espèces humaines. Une nouvelle étude a approfondi les nuances de ce phénomène, révélant comment les modifications de la trajectoire orbitale de la Terre autour du Soleil, survenant sur des centaines de milliers d'années, ont facilité le métissage entre les Néandertaliens et les Dénisoviens.

Fragment osseux Denisova II (Denny) découvert dans la grotte de Denisova en Russie, qui fournit des preuves de métissage entre les Dénisoviens et les Néandertaliens. (Katerina Douka et Tom Higham/Science)

Explorer la sélection de l'habitat par les Dénisoviens et les Néandertaliens.

La constitution génétique contemporaine de l’homme porte des traces d’ADN héritées d’autres espèces humaines anciennes, telles que les Néandertaliens et les Dénisoviens, moins connus. Par exemple, les contributions génétiques de Néandertal constituent environ 2 pour cent de la constitution génétique des populations non africaines. En revanche, les individus d’Asie du Sud-Est et d’Océanie possèdent un chevauchement génétique plus important, partageant jusqu’à 5 % de leur génome avec les Dénisoviens.

Ces premières dynamiques de métissage ont également été liées aux fluctuations historiques du CO2 atmosphérique, aux changements climatiques et aux altérations de la végétation, selon l'étude publiée dans Science. L'étude a été réalisée en collaboration entre des chercheurs originaires de Corée du Sud et d'Italie, composés d'experts du climat et de paléobiologistes.

Ils ont utilisé une combinaison de connaissances anthropologiques, d’informations génétiques et de simulations sophistiquées sur ordinateur pour délimiter les habitats géographiques des Néandertaliens et des Dénisoviens. Cette approche globale leur a permis de discerner des préférences écologiques distinctes : les Néandertaliens affichaient un penchant pour les environnements plus chauds, privilégiant les forêts et les prairies tempérées, tandis que les Dénisoviens affichaient une propension aux endroits plus froids, tels que les forêts boréales et les paysages de toundra.

"Cela signifie que leurs habitats de prédilection étaient séparés géographiquement, les Néandertaliens préférant généralement le sud-ouest de l'Eurasie et les Dénisoviens le nord-est", explique le Dr Jiaoyang Ruan, chercheur postdoctoral au Centre IBS pour la physique du climat (ICCP), en Corée du Sud, et auteur principal de l'étude."

Illustration des habitats préférés des Dénisoviens et des Néandertaliens, et des zones de croisement potentielles en Asie centrale et en Europe du Nord. (Institut des sciences fondamentales / Science

Le changement climatique a-t-il provoqué le mélange des Néandertaliens et des Dénisoviens ?

Sur la base de leurs simulations informatiques méticuleuses, les chercheurs ont dévoilé que pendant les périodes interglaciaires chaudes, caractérisées par l'orbite plus elliptique de la Terre autour du Soleil et la proximité des étés de l'hémisphère nord avec le Soleil, les habitats de différentes espèces d'hominidés ont commencé à se chevaucher géographiquement.

     "Lorsque les Néandertaliens et les Dénisoviens partageaient un habitat commun, il y avait plus de rencontres et d'interactions entre les groupes, ce qui aurait augmenté les chances de croisement", ajoute le professeur Axel Timmermann, auteur correspondant de l'étude et directeur de l'ICCP et professeur à Pusan. Université nationale."

Ces simulations contextualisent non seulement l'émergence de l'hybride Néandertal-Denisovan de première génération, Denny, dans un cadre climatique, mais s'alignent également sur d'autres cas documentés de métissage survenus il y a environ 78 000 et 120 000 ans, selon un communiqué de presse.

À l’avenir, les prochaines analyses paléogénétiques pourront mettre à l’épreuve la fiabilité de ces nouvelles prédictions, basées sur le modèle avancé du superordinateur, concernant les intervalles potentiels de croisements il y a environ 210 000 et 320 000 ans.

Les chercheurs ont commencé à comprendre les influences climatiques à l’origine du modèle de métissage oscillant est-ouest. Ils ont examiné de près l’évolution de la végétation en Eurasie au cours des 400 000 dernières années. Leur enquête a révélé le rôle central joué par les niveaux élevés de CO2 atmosphérique et les conditions interglaciaires relativement douces.

Ces facteurs ont facilité l'expansion vers l'est des forêts tempérées jusqu'en Eurasie centrale, créant ainsi des voies de dispersion pour les Néandertaliens dans les régions habitées par les Dénisoviens. L'existence précise des Dénisoviens à l'ouest des montagnes de l'Altaï reste incertaine, mais cet aspect peut être soumis à un examen minutieux grâce à des analyses génétiques complètes de l'ascendance Dénisovienne au sein des populations européennes, rapporte Discover Magazine.

Les restes de Denny ont été découverts dans la grotte de Denisova en Sibérie, en Russie, un spécimen fossile qui témoigne du métissage entre les Dénisoviens et les Néandertaliens. (Демин Алексей Барнаул / CC BY-SA 4.0)

« Contact Hotspots » : une histoire d’amour avec des traces génétiques visibles aujourd’hui

Les chercheurs ont exploité les connaissances acquises pour identifier les régions géographiques où les interactions entre Néandertaliens et Dénisoviens étaient les plus susceptibles de se produire. Ils ont désigné l’Eurasie centrale, le Caucase, les monts Tianshan et Changbai comme points chauds de contact probables entre ces deux espèces humaines anciennes.

Cela correspond effectivement aux preuves génétiques, qui suggèrent l’apparition d’au moins six cas distincts de croisement entre les Néandertaliens et les Dénisoviens. Dans l’ensemble, les auteurs de l’étude affirment que leurs résultats soulignent comment « les changements climatiques glaciaires-interglaciaires ont probablement joué un rôle important en favorisant le flux génétique entre les humains archaïques ».

En général, les Dénisoviens sont difficiles à résoudre, à tous égards. Ils disposent d'un nombre limité de fossiles (constitués principalement de quelques dents et d'un os de doigt trouvés dans la grotte de Denisova en Sibérie, en Russie), et les données génétiques disponibles sont rares. Les chercheurs ont été confrontés à ces obstacles lors de la réalisation de cette étude.

     "Pour traiter l'ensemble de données très clairsemé de Denisovan, nous avons dû concevoir de nouveaux outils statistiques, qui pourraient également rendre compte des relations ancestrales connues entre les espèces humaines", a déclaré le professeur Pasquale Raia de l'Université Federico II de Naples en Italie, co-auteur de l'étude. «Cela nous a permis pour la première fois d'estimer où les Dénisoviens auraient pu vivre. À notre grande surprise, nous avons constaté qu’outre la Russie et la Chine, l’Europe du Nord aurait également constitué un environnement approprié pour eux », a-t-il ajouté."

     "C'est comme si les changements climatiques glaciaires-interglaciaires créaient le terrain pour une histoire d'amour humaine unique et durable, dont les traces génétiques sont encore visibles aujourd'hui", a conclu le Dr Ruan."

Image du haut : Les premières migrations des Homins causées par le changement climatique auraient pu être le moteur du métissage entre les Dénisoviens et les Néandertaliens. Source : Gorodenkoff / Adobe Stock

Par Sahir Pandey.

Sahir Pandey

Je suis diplômé en histoire de l'Université de Delhi et diplômé en droit de l'Université Jindal, Sonepat. Au cours de mes études d'histoire, j'ai développé un grand intérêt pour les études postcoloniales, avec un accent sur l'Amérique latine. J'ai été publié dans une publication indienne, « LiveWire » en tant que co-auteur et pour The Cinemaholic, entre autres travaux indépendants. J’espère approfondir mon étude de l’histoire une fois la pandémie calmée.

Climate Change Played Cupid Between Neanderthals and Denisovans

It has been 5 years since the unearthing of Denny, a 90,000-year-old fossil specimen that had a Denisovan father and a Neanderthal mother.

https://www.ancient-origins.net

Vincent Trinidad - Catana

Le rayonnement de la culture populaire nippone à l’internationale ne se fait pas qu’à travers les mangas et les séries animées.

Un style musical venu tout droit des années 70 et 80 a su revenir sur le devant de la scène : la City Pop japonaise. Des auditeurs du monde entier écoutent ces morceaux pendant des heures, par nostalgie d’un temps qu’ils n’ont pourtant jamais connu.

Qu’est-ce que la City Pop japonaise, et quels sont ses codes ? Pourquoi rencontre-t-elle un tel succès sur YouTube et Spotify aujourd’hui ? Mettez vos écouteurs et découvrez la sonorité, l’esthétique et les influences de la City Pop.

City Pop japonaise – souvenirs du bon vieux temps

Effervescence urbaine avec un air de vacances d’été

Les vinyles de City Pop sont devenus de véritables objets de collection. Sur leur pochette, on y trouve souvent les mêmes éléments : une plage ensoleillée, une voiture en bord de mer nous promettant un road trip inoubliable, une femme en maillot de bain, mais aussi des immeubles et des néons multicolores éclairant une nuit d’été à Tokyo.

L’esthétique de la City Pop à elle seule nous fait voyager. On sent le sable chaud, les vacances, la vie nocturne tokyoïte, la liberté et l’insouciance.

La City Pop japonaise est influencée par le soft rock, la soul, le R&B et le funk américains. Ces sonorités inédites et rafraîchissantes séduisent rapidement la jeunesse japonaise et de nouveaux albums ne cessent de sortir.

1. Tatsuro Yamashita : Passionné de musique depuis son enfance et fortement influencé par la pop et le rock américains. Durant sa carrière, il aura sorti plus de quarante singles. Il est l’artiste de City Pop le plus reconnu dans le monde et au Japon. Sa voix et ses rythmes entraînants vous téléporteront aux plus belles heures du pays du Soleil-Levant. Titre conseillé pour découvrir son univers : « Ride on Time ».

2. Mariya Takeuchi : Son morceau « Plastic Love » a beaucoup fait parler de lui en 1985, puis a ressuscité sur Internet en 2017 et cumule aujourd’hui 50 millions d’écoutes sur YouTube. Plusieurs auditeurs ont même mené leur enquête : Pourquoi l’algorithme de YouTube s’est-il mis à recommander «Plastic Love » en masse ? Quelle est l’histoire de la fameuse photo en noir et blanc qui illustre ce single ? On raconte que la City Pop a été popularisée à l’internationale grâce à ce titre. Les musiques de Mariya Takeuchi sont parfaites pour voyager dans le temps et s’imaginer vivre de beaux moments au Japon. Par ailleurs, Mariya est la femme de Tatsuro Yamashita.

3. Taeko Onuki : « 4 A.M. » et toute la nostalgie qu’elle dégage font d’elle l’une des musiques les plus écoutées de la City Pop. La voix de la chanteuse nous guide à travers les rues de Tokyo en 1978 avec l’album Mignonne. Elle s’est aussi essayée au jazz et à des mélodies mélancoliques faisant écho à des souvenirs de vacances d’été au soleil.

4. Toshiki Kadomatsu : Artiste incontournable. Ses albums After 5 Clash et On the City Shore sont à écouter sans modération. Il est arrivé sur la scène musicale plus tard que les autres et s'est efforcé de donner un second souffle à la City Pop dans les années 90. Ses morceaux sont pleins d’énergie, de bonne humeur et de fêtes. Toshiki Kadomatsu est encore actif, car il a sorti un album en 2022.

5. Junko Ohashi : « Telephone Number » nous emmène tout droit dans les années 80 japonaises. N’hésitez pas à découvrir son univers empreint de nostalgie, d’histoires d’amour et d’ambiance urbaine de l’époque.

La renaissance de la City Pop japonaise : son rayonnement à l’internationale

Nostalgie d’une époque inconnue mais réconfortante

Lorsqu’on écoute un morceau de City Pop, on est tenté de penser « C’était mieux avant ».

Ce style musical est apparu dans les années 1970 – 1980, où le Japon vivait un boom économique sans précédent. Les entreprises brillaient grâce à leurs innovations et les multiples créations d’emploi à Tokyo. À cette époque, le pouvoir d’achat des Japonais progresse en moyenne de 10 % par an (selon Le Japon contemporain, édité chez Fayard). La majorité de la population accède ainsi à ce qu’on appelle : la société de consommation. 

Les Japonais ont enfin le luxe de partir en vacances, de prendre la voiture et de rouler sous le soleil, bercés par le bruit des vagues. À Tokyo, on jouit de la vie nocturne en allant déguster des cocktails, profiter des restaurants, chanter au karaoké et danser jusqu’au bout de la nuit. Pour en savoir plus sur l’un des loisirs préférés des Japonais, lisez Le Karaoké au Japon, une expérience incontournable.

Malheureusement, après la crise économique de 1990, l’inégalité et la précarité s’installent dans la société japonaise. La fête est finie, l’âme de la City Pop s’éteint… jusqu’à revenir en force dans le monde entier dans les années 2000.

Second souffle de la City Pop – Remix, hommages et collection de vinyles

La City Pop s’inspire énormément de la musique occidentale. Les auditeurs se plongent ainsi dans des rythmes familiers, tout en laissant leur imagination s’envoler avec des paroles japonaises qu’ils ne comprennent pas. Ils découvrent un vaste univers inconnu, mystérieux, qui ne demande qu’à être écouté. Certains morceaux insufflent des sonorités du disco, des mélodies rétro, ce qui accentue le sentiment de nostalgie.

Il suffit d’entendre une musique de City Pop pour être projeté dans les années 80 gorgées de soleil et profiter de l’effervescence de cette époque. Un véritable voyage dans le temps.

Les auditeurs actuels se plongent dans la City Pop sans concessions. Sur YouTube, il n’est pas rare de trouver des playlists de dix heures regroupant les meilleurs morceaux des années 70-80. On est ainsi enfouis dans une bulle réconfortante où notre imaginaire est roi.

Sur YouTube, les images utilisées pour illustrer les playlists sont souvent issues d’animés japonais old school, ce qui a attiré la majorité des fans de mangas. Les périodes de confinement dues à la pandémie ont sûrement accentué la renaissance de ce genre musical qui invite sans cesse à s’évader vers des jours meilleurs.

Même au Japon, des passionnés cherchent dans tous les disquaires de Tokyo des vinyles de l’époque afin de les exposer chez eux comme des trésors, des œuvres d’art.

Des artistes célèbres comme Harry Styles et The Weeknd ne cachent pas l’influence que la City Pop japonaise exerce sur eux. L’âme des années 80 japonaises pleines d’espoir, de liberté et de vacances n’est pas près de s’éteindre. Quelles pépites nippones venues du passé découvrirons-nous demain ?

En attendant de mettre la main sur un vinyle rare, vous pouvez toujours plonger dans un autre style musical japonais moderne et très populaire dans le monde entier : La J-pop !

City Pop Japonaise : nostalgie en musique

Le rayonnement de la culture populaire nippone à l'internationale ne se fait pas qu'à travers les mangas et les séries animées. Un style musical venu tout droit des années 70 et 80 a su revenir sur le devant de la scène : la City Pop japonaise.

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By Caleb Strom

Les anciens étaient plus intelligents que certaines personnes ne le supposent aujourd'hui. Ils n'avaient ni fusées ni électricité, du moins aucune preuve indiscutable n'a été trouvée de telles technologies, mais ils ont mis au point une technologie que nous n'associons généralement pas au monde antique. Le yakhchal (qui signifie bac à glace) était un type d'ancien réfrigérateur construit dans les déserts de Perse (aujourd'hui l'Iran), qui était fabriqué sans électricité, sans liquides de refroidissement modernes ni avec la plupart des éléments des réfrigérateurs modernes. Il démontre la capacité des humains à trouver des solutions aux problèmes avec tous les matériaux ou technologies dont ils disposent.
Comment fonctionne un Yakhchal ?

Cette approche de la fabrication de réfrigérateurs a été maîtrisée par les ingénieurs persans vers 400 avant JC, bien qu'il soit possible que les gens les fabriquaient avant cela. Les yakhchals sont assez simples à fabriquer pour que même ceux qui étaient relativement pauvres puissent se les offrir. La plupart des yakhchals étaient des structures en forme de dôme avec une zone de confinement souterraine en forme de carré.

Une fois la zone de confinement creusée et le dôme érigé, un type de mortier composé d'argile, de sable, de cendre, de poil de chèvre et de chaux appelé sarooj a été utilisé pour le rendre étanche. La zone de collecte de l'eau devait être suffisamment profonde pour rester fraîche et le matériau à partir duquel le yakhchal était fabriqué devait être suffisamment isolant pour empêcher la chaleur d'entrer.

°    Épistémologie de l'ancienne technologie perdue
°    Outils communs ou ancienne technologie avancée ? Comment les Égyptiens ont-ils percé le granit ?

L'eau était amenée au yakhchal soit en transportant directement la glace des montagnes voisines, soit en détournant l'eau d'un aqueduc vers le yakhchal en utilisant des canaux d'eau souterrains appelés qanats.

Adjacent à certains yakhchals, un mur orienté est-ouest serait construit sur le côté sud du réfrigérateur et l'eau serait amenée dans le yakhchal depuis le côté nord du mur. La raison en était de garder l'eau fraîche au milieu de la journée lorsqu'elle entrait dans le yakhchal. Un autre dispositif utilisé pour garder le yakhchal au frais est un badgir, un type de mécanisme de capture du vent qui capterait la brise et la détournerait vers le yakhchal. Au fur et à mesure que l'air descendait, il était refroidi par la glace ainsi que par l'air frais accompagnant l'eau dans le qanat. Alternativement, le badgir pourrait être utilisé pour faire monter l'air chaud et refroidir l'air pour le remplacer. Ce mécanisme est encore utilisé dans de nombreuses villes du désert de l'Iran moderne.

Une fois dans le yakhchal, l'eau gèlerait pendant la nuit. Ce processus pourrait être accéléré en ayant de la glace, transportée des montagnes, déjà présente dans le yakhchal pour agir comme une graine. Une fois l'eau gelée, elle était découpée en blocs afin que l'eau puisse être facilement transportée hors du yakhchal pour être bue et à d'autres fins. En plus de stocker l'eau potable, le yakhchal était également utilisé pour conserver au frais des aliments tels que des fruits, des produits laitiers et probablement de la viande afin qu'ils durent plus longtemps. De nombreux Yakhchals en Iran, en Afghanistan et dans d'autres parties de l'Asie occidentale et centrale sont toujours debout même après des milliers d'années. Ils représentent les vestiges de l'ancienne Perse et font partie du patrimoine culturel de l'Iran.

Héritage des anciennes glacières En plus d'être historiquement intéressants, les yakhchals ont également été suggérés comme un moyen peu coûteux et durable pour les Iraniens modernes et d'autres communautés d'Asie centrale d'avoir de la réfrigération sans nécessiter l'utilisation d'électricité. Théoriquement, le processus utilisé pour fabriquer des yakhchals pourrait également être reproduit et utilisé dans d'autres régions avec des climats similaires aux zones désertiques d'Iran et d'Asie centrale, comme le sud-ouest américain ou certaines parties du nord-ouest de la Chine. De cette façon, la renaissance d'une technologie ancienne pourrait aider les gens modernes du monde entier à vivre de manière plus durable et à toujours disposer de commodités modernes, en particulier la réfrigération.

Caleb

Caleb Strom est actuellement étudiant diplômé en sciences planétaires. Il se considère comme un écrivain, un scientifique et un conteur polyvalent. Ses intérêts incluent la géologie planétaire, l'astrobiologie, la paléontologie, l'archéologie, l'histoire, l'archéologie spatiale et SETI.

Ancient Advanced Technology: 2,400-Year-Old Yakhchals Kept Ice in the Desert

The ancients were cleverer than some people today assume. They didn't have rockets or electricity, at least no indisputable proof has been found of such technologies, but they did come up with technology that we don't usually associate with the ancient world.

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Les Konbini au Japon : leurs services indispensables

Énormément de touristes reviennent du Japon en s’extasiant sur les Konbini, ces supérettes japonaises ouvertes 24 h sur 24 et 7 j sur 7.

Les Konbini sont fortement ancrés dans le quotidien de l’archipel et répondent à de nombreux besoins essentiels. Ces commerces de proximité sont le terrain d’expérimentations technologiques et alimentaires.

Pourquoi occupent-ils une si grande place dans la culture japonaise ? Que peut-on trouver dans ces épiceries et en quoi facilitent-elles la routine des locaux ? Découvrez les services indispensables des Konbini au Japon.

Konbini : des supérettes japonaises en constante évolution

Konbini, l’incarnation du service à la japonaise

Le terme Konbini コンビニ tire son origine de l’anglais convenience store コンビニエンストア, qu’on pourrait traduire en « épicerie pratique ». Plus précisément, ce sont des boutiques alimentaires implantées dans tout le Japon qui s’adaptent au rythme de vie de la population. On compte à peu près 60 000 Konbini (1 supérette pour 2000 habitants), ouverts non-stop, toute l’année. Le marché est dominé par trois grandes chaînes : Seven Eleven, Lawson et Family Mart.

Le premier Seven Eleven a été lancé en 1974 à Tokyo. Dans les années 1970, le Japon devient une puissance commerciale importante. On assiste à de nombreuses créations d’emploi dans la capitale et à une hausse du pouvoir d’achat des Japonais. Ils suivent un rythme effréné et cumulent un grand nombre d’heures de travail. Grâce aux Konbini, ils peuvent acheter rapidement des produits frais et savoureux à n’importe quelle heure du jour et de la nuit. 

Les Konbini ayant une capacité de stockage réduite, une optimisation de la logistique et un système d’analyse de la consommation ont été mis en place. Les Konbini sont livrés quatre à six fois par jour en fonction des données collectées : heure de l’achat, produit, prix, tranche d’âge du consommateur, etc. Une machine bien huilée !

Évolution des Konbini au Japon — innovations technologiques

Aujourd’hui, les Konbini doivent s’adapter aux évolutions de la société japonaise. Entre la pénurie de main-d’œuvre et l’avènement du commerce en ligne, ces supérettes font preuve d’ingéniosité pour imaginer le Konbini du futur.

En 2022, Seven Eleven a testé la première caisse holographique Digi POS pour répondre au manque de personnel. L’écran tactile des caisses automatiques devient ainsi virtuel, et se projette lorsqu’un client se place devant lui. Il suffit ensuite de présenter le code-barres des produits pour payer simplement sans contact et repartir avec ses courses.

Mais on ne peut pas concevoir le Konbini du futur en se basant uniquement sur des boutiques sans personnel, dotées de robots et d’intelligence artificielle. Les Konbini peuvent aussi prôner l’importance du contact humain et être implantés dans des zones à faible population dans l’espoir de les dynamiser.

Nous avons par exemple vu l’apparition du « Konbini du futur », le Mirai-Konbini, qui compte bien stimuler l’économie de la région montagneuse de Kitô. Imaginée par le designer Unosawa Keisuke, cette supérette est indépendante des trois grandes chaînes dominantes. Elle propose un marché aux poissons frais deux fois par mois, une sélection de produits adaptés aux besoins locaux, un espace café convivial et l’organisation d’événements culturels.

Les Konbini dans la pop culture et à l’internationale

Beaucoup d’étrangers rêvent de s’installer dans le pays du Soleil-Levant afin de profiter de la culture japonaise au quotidien. Travailler dans un Konbini semble être la première étape idéale pour un étudiant ou un jeune adulte pas très à l’aise avec la langue. En 2017, 5 % des employés de Konbini étaient étrangers.

Ces supérettes japonaises représentent souvent une bonne surprise pour les touristes. Quel bonheur de pouvoir tester chaque jour une nouvelle boisson, un bento gourmand ou un encas original pour un prix abordable lors de son voyage !

Grâce notamment aux mangas, même les lecteurs qui n’ont jamais mis un pied au Japon connaissent les Konbini et leurs avantages. En 2022, pour fêter le lancement du manga Sakamoto Days très attendu en France, l’éditeur avait reproduit l’intérieur d’un Konbini dans un pop-up store à Paris. Les fans étaient très heureux de retrouver les décors de la supérette omniprésente dans le manga. Des nouilles instantanées et des boissons typiques japonaises avaient été placées dans les rayons.

Les produits alimentaires vendus en Konbini ont un succès fou en France et dans le monde, comme le prouve l’existence de sites Internet dédiés à l’importation de sucreries et encas japonais. Il est possible de s’abonner et de recevoir chaque mois un colis rempli de snacks de Konbini.

Par ailleurs, on assiste à l’ouverture de supérettes japonaises en France, comme le Manga Café Konbini à Paris. Les passionnés de culture populaire japonaise n’ont donc plus besoin d’attendre Japan Expo ou Polymanga pour se procurer les célèbres encas de Konbini !

Que peut-on trouver dans un Konbini au Japon — Guide complet

Repas préparés, snacks et boissons des Konbini 

Les produits alimentaires des Konbini ont deux spécificités : ils sont frais et 70 % du catalogue se renouvèle chaque année. Les rayons proposent des spécialités différentes selon la saison. On compte plus de 300 références par Konbini :

• Les bento : de délicieux paniers-repas du jour. Pratique pour une pause-déjeuner entre deux visites touristiques. N’oubliez pas que vous pouvez réaliser votre propre bento à la maison ! Comment préparer un vrai bento ?
• Les encas sucrés : Melonpan, mochi, anpan (viennoiserie au anko), dorayaki, fruit sando (sandwich aux fruits)…
• Les encas salés : sushi, onigiri, nouilles instantanées et ramen, oden (pot-au-feu), gyudon, sandwich, plats préparés, karaage (poulet frit), nikuman (pains à la viande), plats surgelés, chips, soba…
• Les boissons fraîches et chaudes : thé vert, café glacé en canette, thé au lait, limonades ramune, soupes, lait, jus de fruits, sodas…
• Les boissons alcoolisées : saké, bière, whisky, vin, shochu highball…

Top 10 des produits du Konbini à goûter absolument

Il est très amusant de se promener dans les rayons d’un Konbini et de découvrir des mélanges de saveurs stupéfiants et déconcertants. Les cornflakes chocolat et poulet, une boisson fraîche au beurre… Voici notre top 10 des meilleurs produits du Konbini, pour éviter les mauvaises surprises tout en sortant du classique Onigiri, le sandwich japonais et des sushis !

1. Kare Pan : le pain au curry frit : aussi gourmand que croustillant.
2. Oyakudon : bol de riz surmonté d’une délicieuse garniture (œuf, poulet).
3. Oden : pot-au-feu japonais réconfortant qu’on peut composer soi-même dans certains Konbini.
4. Menchikatsu : croquette de viande hachée panée.
5. Boissons fraîches d’automne : café latté au marron, à la patate douce, au potiron.
6. Dorayaki : deux pancakes fourrés à la pâte anko (haricots rouges sucrés).
7. Warabimochi : mochi trempé dans du kinako (farine de soja grillé). À accompagner d’un bon thé vert.
8. Somen : nouilles froides en soupe, idéal pour l’été.
9. Futomaki : Riz et garniture enveloppés dans une algue nori.
10. Café froid en canette : N’hésitez pas à tester les variantes proposées (au lait, caramel, moka, etc).

Services indispensables proposés par les Konbini

• Livraison de plats préparés à domicile
• Vente de journaux, magazines de prépublication, mangas et articles de papeterie.
• Produits d’hygiène, cosmétique, et parfois vêtements de rechange.
• Affranchissement du courrier, service de relai colis takuhaibin, photocopies, fax, accessoires électroniques, Wi-Fi gratuit.
• Tabac, cigarettes
• Médicaments de base
• Laveries automatiques, toilettes publiques
• Achat de tickets de cinéma, concerts
• Paiement des factures de téléphone, Internet, électricité, etc.
• Distributeur automatique de billets
• Micro-ondes, eau chaude pour les ramen, machine à smoothies et milkshakes.

Vous comprenez maintenant pourquoi les Japonais se rendent presque quotidiennement dans les Konbini ? Ils sont ouverts 24 h sur 24, vous n’avez aucune excuse pour ne pas explorer ces supérettes japonaises lors de votre voyage !

Les Konbini au Japon : leurs services indispensables

Énormément de touristes reviennent du Japon en s'extasiant sur les Konbini, ces supérettes japonaises ouvertes 24 h sur 24 et 7 j sur 7. Les Konbini sont fortement ancrés dans le quotidien de l'archipel et répondent à de nombreux besoins essentiels. Ces commerces de proximité sont le terrain d'expérimentations technologiques et alimentaires.

https://universdujapon.com